In questi mesi ho alquanto trascurato il summary delle opinioni sui (nuovi) manga comprati, soprattutto per scarsa voglia. Ora che me n’è tornata quantomeno una parvenza, invece, scriverò qualche parere su serie iniziate di recente, pur senza pretendere di andare a pescare troppo indietro rispetto a dove mi ero interrotta.

 

F.Compo: Ho comprato il primo numero, perché generalmente se vedo un manga in casa di Crimson è molto probabile che piacerà anche a me. Poco dopo il secondo, perché ne volevo ancora. Poi il terzo. Il quarto numero era introvabile in qualunque fumetteria mi recassi, dunque ho razziato lo stand di una fumetteria a Lucca sfilandogli tutti i volumi che sapevo di non poter reperire. La settimana immediatamente successiva mi sono precipitata a soffiare tutti quelli che ancora mi mancavano setacciando gli Star Shop romani e facendomi spedire da un negozio su eBay il 12, l’ultimo non ancora in mio possesso. E ora esito a continuare la lettura perché so che a iniziare il rush di lettura lo concluderei divorando ogni singolo volumetto in una settimana al massimo, restando per il resto con un gran vuoto dentro. In poche parole, il guaio di F.Compo è che finisce, proprio come si dice di un videogioco quando sull’onda dell’entusiasmo non si riescono a trovargli difetti seri. Con la differenza che dopo aver ruminato per bene il mio parere ancora non riesco ad additargliene altri. Quanto non apprezzo Tsukasa Hojo nelle sue serie più action e iperrealistiche, altrettanto amo questo suo autentico gioiello, frutto (e si vede) di un innato talento nel creare atmosfere, nel narrare, nell’imbottire di sostanza una storia semplice e nel disegnare. Le trame di F.Compo, strutturalmente parte di un tutto ma narrativamente episodiche quasi fino ad arrivare all’autosufficienza, sono spesso volte alla costruzione di un accogliente senso di calore e di intimità. Come se l’autore volesse dirci che per sentirsi parte di una famiglia e creare ricordi indimenticabili le categorizzazioni dell’identità di genere non hanno alcun peso, non tanto quanto ne hanno le persone stesse. Per questo Masahiko, classico protagonista generico delle commedie giapponesi a fumetti, viene da Hojo fatto nascere da un padre e una madre nel senso tradizionale del termine, ma è cresciuto completamente deprivato dell’affetto dei genitori, che invece ritrova nell’insolita famiglia dello zio (della zia?) materno. Il tratto realistico e poco esagerato, tranne che nelle vignette di gag, giustifica inoltre qualunque pretesa di ambiguità sessuale dei personaggi, soprattutto della coprotagonista Shion, laddove molti altri mangaka si sarebbero completamente appoggiati all’aspetto androgino di disegni ben più stilizzati. Precipitatevi su eBay a comprare le varie offerte di serie complete a prezzo stracciato: chi vuol liberarsene merita che questo piccolo capolavoro gli venga tolto dalle mani per trovare (si spera) padrone più degno. Adottate anche voi un F.Compo e non ve ne pentirete, soprattutto considerando che la serie non viene più ristampata da Star Comics.

Pluto: Naoki Urasawa è un autore che punta tutto sull'edificazione della trama. Mette una carta sopra l’altra per creare un castello altissimo, spesso torna a visitare i piani già disposti per studiarli meglio, monta innumerevoli climax e poi la cima della piramide, il finale, è costituito da un paio di tristi carte che però non fanno vacillare in nessun modo tutto quanto le sostiene: l’esatto contrario, insomma, del procedimento classico per cui proprio la punta massima della storia è quel che fa crollare tutte le convinzioni accumulate fino a quel momento. I finali dei manga di Urasawa sono spesso in calando; quello che conta, tuttavia, è il mondo che mette in piedi, gli esseri umani che descrive, le microstorie anziché la macrotrama. Chi lo ama lo sa, così come sa che l’altro suo punto forte sono le ambientazioni, che riesce a valorizzare al massimo anche quando parte da un lavoro non suo, uno che nientemeno ha cagionato la nascita dell’animazione nipponica come la conosciamo oggi. Astroboy visto dai suoi occhi diventa un giallo poliziesco che amplifica infinite volte le influenze da Metropolis di Fritz Lang già più volte manifestate da Osamu Tezuka. Come al solito, la costruzione del mistero è impeccabile e tiene desto l’interesse fino alla fine, anche quello di chi alle sue tecniche è ormai abituato dopo due fumetti meccanicamente molto simili tra loro. Forse, tuttavia, la relativa brevità (8 volumi) di Pluto gli impedirà di perdersi negli eccessivi giochi di specchi che a lungo andare hanno danneggiato sia Monster che 20th Century Boys, senza contare che il tema del doppio non sembra stavolta rientrare negl’interessi di Urasawa. Gli ultimi due numeri usciti in Italia, il 3 e il 4, sono particolarmente interessanti e densi di eventi.

Nausicaä della Valle del Vento: Col primo volume pensavo che il primo e unico manga di Hayao Miyazaki fosse invecchiato male, sfiancato dall’infodump di molti fumetti d’annata (anche giapponesi) e da una sceneggiatura non sempre chiara, pur se riscattato dallo stile grafico incredibile. Continuavo a preferirgli il lungometraggio animato, ma andando avanti e ormai arrivata al numero 5 mi rendo sempre più conto di che razza di opera fosse già alla fonte. Affascinante, originalissima ancora oggi, assolutamente matura. Un fantasy realmente adulto, che non si lascia incastrare nel buonismo imperante nel genere e mostra gli orrori della guerra col duro realismo che solitamente contraddistingue i racconti di fatti storici. Per Miyazaki tutti (o quasi tutti) sono nel “torto” e contemporaneamente nella “ragione” e la grandezza dell’animo di Nausicaä serve solo a far risaltare la sua lontananza dai “comuni” esseri umani, la fallacità e il miscuglio d’intenzioni altruistiche ed egoistiche che li anima tutti. Immortale.

Birdy the Mighty: Buon seinen manga dall’autore di Patlabor, meno ammiccante di quel che una tizia con solo delle parti di armatura a coprirle le zone private lascerebbe intendere. Pulizia del tratto, dinamismo delle tavole e commistione tra fantascienza à la Men in Black e vita quotidiana giapponese formano un amalgama che spinge a continuare a comprare il fumetto nonostante le premesse, lo scenario e la trama non siano fra i più impressionanti e sviluppati della Storia.

Welcome to the NHK: M’interessa approfondire il mondo degli otaku in fase terminale visto dagli occhi dei giapponesi stessi, quindi su suggerimento del buon VMee mi sposto da Genshiken a un esperimento ancora più estremo e decisamente più centrato sul lato patologico, piuttosto che su quello sociale. Apprezzo la competenza degli autori che il manga denota, ma ho letto ancora troppo poco per dare un giudizio più articolato.

E a parte questo, sto facendo una cosa che proprio non potrei permettermi di fare: formarmi una cultura di Rat-Man recuperando le prime storie in formato Tutto Rat-Man. Al liceo non l’avevo capito, ma una seconda possibilità non si nega a qualcuno che ti fa ridere come un’imbecille mentre sei sull’autobus a leggere 299+1 (A-Hu! A-Hu! A-Hu!). Spero di scoprire un mondo. E di non trasformare la mia libreria nella succursale di un manicomio.

Ah, volevo aggiungere che il talento di Mokona delle CLAMP ha del superumano. Bisogna vedere le tavole originali degli ultimi volumi di RG Veda e Rayearth, la precisione assoluta dell’inchiostrazione e dell’applicazione dei retini che le rende assolutamente identiche alle pagine stampate, per poterci credere. Mi reputo fortunata di aver potuto guardare con i miei occhi i veri disegni su cui ho sbavato per tanti anni e che spesso hanno incoraggiato la mia (scarsissima) vena creativa, e devo ringraziare ancora una volta Lucca Comics & Games per essere un evento così straordinario ogni anno (e non in ultimo perché mi permette di passare tre giorni stupendi con i miei migliori amici).

A sinistra, Rajaion nell'unico artwork di lui esistente da Fire Emblem: Radiant Dawn. Non so perché vi sia una sua immagine quando degli altri personaggi solo nominati durante il gioco non c'è nulla. Per la cronaca: è il fratello maggiore di Almedha e Kurthnaga, è diventato la mount di Ashnard (perché, lo sappiamo, Ashnard è troppo Phygo per avere una viverna come tutti i Wyvern Knight), è un po' morto e con un aiutino dal pubblico m'hanno anche riconosciuto due volte dopo aver riconosciuto il Ranulf (grande Andrea) che mi accompagnava (o meglio, che io accompagnavo). È già due volte di più rispetto a Nasir, dunque posso ritenermi soddisfatta di questo e della riuscita del costume. Che potete vedere a destra, per la cronaca.

È divertente cosplayare un morto: ti vengono in mente un sacco di pose. Just kidding.

Gallery: http://www.cosplay.com/costume/265043/

Stavolta, non so perché o meglio lo so ma non voglio dirlo (semplicemente mi son dimenticata la normale disposizione), ho invertito l'ordine di artwork e foto. Dovrebbero comunque essere abbastanza distinguibili. A sinistra, io nei panni di Anthony da Eternal Darkness: Sanity's Requiem; a destra, un'immagine in-game del povero messo di Carlo Magno.
Essere i primi a interpretare un personaggio in Italia e nel mondo, almeno documentandolo, fa sempre inorgoglire. Anche se nessuno e ancora nessuno ti riconoscerà mai.

Gallery, che rende particolarmente onore allo straordinario sistema d'illuminazione del gioco:

http://www.cosplay.com/costume/264542/

I casi sono tre: o di questi tempi sto provando solo videogiochi che non fanno per me, che hanno effettivamente deluso buona parte dell'utenza (forse è il caso di Scribblenauts), o sono diventata tanto impaziente da non riuscire a perseverare attraverso qualsiasi prologo non sia di mio immediato gradimento, o ancora sono talmente esigente che ormai basta un dettaglio fuori posto a farmi abbandonare l'impresa.

Muramasa: The Demon Blade è l'unico gioco "nuovo", non contando quindi la rigiocata di Xenogears, attualmente sopravvissuto alla mia modalità rompiballe estrema, nonostante qualche piccolo colpo accusato all'inizio dell'avventura che non mi ha impressionato come mi aspettavo. Lo stile grafico per nulla cambiato da Odin Sphere e GrimGrimoire (trovato peraltro a Lucca e subito sgraffignato per completare il trittico Vanillaware) è un piacevole ritrovarsi, il gameplay inneggia ai vecchi beat'em up a scorrimento come non mai e frustra (ma direi anche frusta) a livelli non raggiunti quasi nemmeno da Odin Sphere stesso. Il suo autore-tuttofare, George Kamitani, tradisce la sua natura di cultore del genere fin nei più intimi dettagli, dall'azione che si ferma sui grappoli di nemici alle musiche, che aleggiano sì tra le sinfonie orchestrali care a Sakimoto e i flauti e gli strumenti a corda tipici della tradizione nipponica, ma che qui e lì ricordano incongruamente i bip e le derive techno degli accompagnamenti di un videogioco d'azione quale questo rimane orgogliosamente nonostante gli elementi di sviluppo da JRPG. Quel che più impressiona è ovviamente l'enorme e dirompente inventiva grafica che quasi trabocca dallo schermo, dall'esplosione vulcanica dei colori all'aspetto di mostri e alleati per finire col feticismo alimentare estremo del cibo tradizionale giapponese che viene consumato boccone dopo boccone in maniera filologicamente corretta. Un passo avanti rispetto alla semplice riproduzione dei piatti vista in Odin Sphere, e una concessione tanto alla fissa gastronomica degli autoctoni quanto, volendo, all'otakuismo dilagante a occidente, cui la gran quantità di kappa, kitsune, torii, quartieri di piacere e canne di bambù (senza contare le sorgenti termali) sembra a più riprese volersi concedere.

Muramasa, come gli altri prodotti Vanillaware, guarda al passato e lo riveste a nuovo. Certo il fatto che il suo director sia prevalentemente un fissato di matita e colori (un illustratore, insomma) sbilancia il focus dello sviluppo sull'aspetto estetico, che non impedisce comunque al versante ludico di risultare più che compiuto. Le piccole/grandi opere d'arte cesellate come questa, che abbiano almeno un elemento assolutamente peculiare e attraente, sono per ora il mio campo principale d'interesse.

Quanto tempo era che i primi minuti di un gioco non mi facevano cadere in un profondo innamoramento, un colpo di fulmine digitale di quelli che ti fanno bramare di passare ore e ore con l’oggetto del tuo desiderio?
    Di solito, quando questo accade, è difficile scomporre e razionalizzare i motivi. Neanche sono quest’appassionata fruitrice di metal, power o heavy che sia, o bazzico le lande del fantasy sanguinolento e dei roadie. Ma questa è un’opera che prima di tutto parla con la lingua della genialità dei suoi autori, praticamente i Tenacious D del videogioco: Tim Schafer e Jack Black, una coppia che insieme fa sfracelli.
    Guardando l’intensità delle prime battute di Brütal Legend e la sua intro che è una cascata di battute, di perculamenti, di trovate e anche di citazioni (per chi al contrario di me mastica cultura metal e mangia pane e Judas Priest al mattino), nonché il suo sistema di gioco asciutto e appagante, ho riflettuto su una cosa che in realtà penso già da molto. Scrivere sceneggiature e storyboard dettagliatissimi, obbedire a tutti i dettami di un incipit professionale e utilizzare tutti gli appigli all’attenzione del giocatore descritti nel proprio manuale non ha nessun senso e non basta. Ci vuole il talento, bisogna conoscere e amare la materia trattata con ogni atomo del proprio corpo e a quel punto la passione si trasmetterà spontaneamente al proprio lavoro, anche e soprattutto se non dovesse essere realizzato proprio ammodino ma procedendo per istinto. Non è che tutto debba o possa avere la scintilla in sé, ma la netta distinzione di un'opera che ne è fornita da una che ne è priva si gioca esattamente in questo campo: l'amore per la materia. La differenza tra il pur ottimo Uncharted 2 e il più sporco ma decisamente più brillante Brütal Legend, perfetti per il testa a testa anche in quanto usciti nella stessa settimana, è emblematica: il primo formalmente preciso e senza sbavature, hollywoodiano e quasi vergognoso di essere un videogioco, il secondo polposo in ogni istante, appagante e viscerale a ogni pressione di pulsante. E spettacolare, nonostante non rinneghi mai nemmeno per un istante la propria natura centrale: una vera esperienza multimediale in cui piglio cartoon-cinematografico, musica, illustrazione e videogioco si incontrano al loro massimo. L’ho appena cominciato, ma trepido nell’attesa di vederlo dispiegarsi davanti a me.

Last but not least: c’è uno dei pochi personaggi femminili videoludici (e non) di cui dica spontaneamente che è una gnocca pazzesca.

Le riviste giapponesi? Inaffidabili e vendute. Diverse volte sarà capitato ai frequentatori di forum occidentali d’imbattersi in simili commenti lapidari, talvolta espressi in termini decisamente meno amabili (il che è tutto dire), alla comparsa di ogni nuovo elenco di voti dell’istituzione Famitsu. Da quando il noto settimanale di Enterbrain ha ‘onorato’ titoli del calibro di Nintendogs con il suo punteggio massimo, sommato a partire dalle valutazioni singole da uno a dieci di quattro redattori, il sospetto che sempre più prepotentemente si fa strada è che le case produttrici, Nintendo in testa, paghino i suddetti affinché diano una poderosa spinta ‘critica’ alle vendite dei titoli più quotati in cambio di scoop e materiali esclusivi sulla loro lineup. Per capire perché questo, se anche fosse, potrebbe non essere considerato uno scandalo nel mondo dell’informazione e in generale nel settore videoludico in Giappone, occorre dare uno sguardo al modo in cui solitamente i giapponesi considerano i videogiochi e la ‘critica’ correlata.
    Scrivo ‘critica’ tra virgolette non senza una ragione. Il significato che a questa parola si dà negli Stati Uniti (da cui, piaccia o meno, proviene anche la nostra impostazione di pensiero sui videogiochi in toto) e in Giappone è considerevolmente difforme. Laddove in occidente vediamo al medium e alle sue opere come a oggetti da passare al microscopio nei dettagli, per scovare ogni minima imperfezione e discuterne scontrando i propri punti di vista fino a venire alle mani (figurativamente, ma non troppo), in Giappone il concetto di ‘divergenza d’opinioni’ è pochissimo popolare e soprattutto considerato sconveniente in molti casi, e si tende a considerare il prodotto nel suo complesso, parlando delle sue caratteristiche e riportandone i difetti nel modo più garbato e leggero possibile. Forse anche per opporsi all’idea generalizzata e negativa che dei videogiochi si ha negli USA e da noi, è fiorita una cultura del videogioco che ama analizzarne gli aspetti meno ovvi a mo’ di critica cinematografica o letteraria oppure si arrocca su infinite disquisizioni di carattere tecnico. In Giappone, il videogioco già fa parte della cultura popolare da decenni e non ha faticato a entrarvi, probabilmente per ragioni di carattere sociologico e religioso (o a-religioso, nel caso della popolazione nipponica). Sussiste una bassa considerazione di chi prende troppo ‘sul serio’ i videogiochi, ma questo proprio perché i prodotti videoludici sono considerati un bene fruibile da chiunque come un semplice passatempo e che quindi è sconveniente prendersi più a cuore della media.
    Si aggiunga a tutto questo la mentalità tipica giapponese, che prevede che il pensiero individuale (honne) sia ‘soffocato’ in favore dell’opinione di facciata (tatemae) che si conforma a quella collettiva del gruppo di appartenenza per consolidare i propri legami sociali e affettivi. Sarebbe sbagliato affibbiare tale modo di pensare a tutti i giapponesi, così com’è sbagliata qualunque generalizzazione, ma ciò non toglie che dai testi scarni e sempre molto essenziali di una Famitsu o di una Denki traspaia una certa volontà di non sbilanciarsi se non per esprimere giudizi e aspettative assolutamente positivi.
    Come può dunque svilupparsi una critica ‘alla occidentale’ in un Paese dove l’opinione individuale solitamente non viene espressa nei termini da noi ritenuti accettabili? Non si sviluppa. I voti di Famitsu sono probabilmente una mediazione tra quello che i singoli redattori pensano, e che cercano di tener nascosto il più possibile per non ‘infastidire’ lettori e altri addetti ai lavori, le aspettative del pubblico e i desideri dei publisher. D’altronde, non è nelle recensioni propriamente dette che si esplicita la vera attrattiva di Famitsu per il pubblico autoctono: la rivista è arcinota anche da noi per i suoi clamorosi scoop sui giochi in uscita e per la pubblicazione di materiale visivo in esclusiva, ottenuto grazie ai forti legami, anche d’amicizia, e ai sodalizi con le più importanti realtà dello sviluppo giapponese. Queste pagine o speciali informativi sono accompagnati da testi assolutamente acritici ed essenziali, con strilli visivamente appariscenti per catturare l’attenzione come farebbe una qualsiasi pubblicità, e talvolta da interviste con gli sviluppatori, più un piccolo box in cui una delle mascotte della rivista ci comunica il motivo della sua esaltazione per il titolo in questione. Oltre ai toni positivi e pacati, un’altra cosa colpisce di Famitsu e delle altre riviste specializzate giapponesi: lo squilibrio tra testo e immagini a favore di queste ultime.

Sembrerà un luogo comune, ma quella giapponese è una cultura estremamente visiva: tutto deve essere presentato in modo impeccabile, per appagare l’occhio prima di qualunque altro organo sensoriale. La composizione dei cibi sui piatti e l’accostamento dei loro colori gioca un ruolo fondamentale nella gastronomia, tanto che le pietanze servite nei ristoranti hanno sempre un aspetto ‘costruito’ per essere piacevole. La cura nel character design e nella composizione grafica è un altro fattore importante, e se si considera che la lingua scritta si serve di caratteri derivati dalla semplificazione di raffigurazioni dei relativi oggetti il cerchio sarà completo: persino la scrittura è ‘un disegno’, in Cina e Giappone. L’incanto (non necessariamente, anzi, quasi mai di carattere intellettuale, ma puramente sensoriale) scaturito dalla contemplazione di una singola immagine o scena considerata ‘suggestiva’ o più di recente ‘cool’ ha, di conseguenza, un ruolo decisamente preponderante sulla coerenza narrativa per quanto riguarda letteratura, cinema, fumetti e quindi anche videogiochi. Quando si resta delusi per le incongruenze o per i finali ‘incompleti’ o lasciati all’interpretazione non si sta considerando che, per un giocatore giapponese, si tratta di cose del tutto naturali che non inficiano, nemmeno in parte, la bellezza dell’insieme.
    La chiusura della produzione giapponese nei confronti del ‘fuori’ è un altro luogo comune che trova fondamento nella realtà. Se solo recentemente alcuni sviluppatori più globalizzati stanno indirizzando ai loro colleghi un invito ad aprirsi al concetto occidentale di videogioco (con risultati purtroppo discutibili in molti casi) è proprio perché il settore giapponese ha sempre teso a costruire su se stesso anche le proprie bizzarrie. I giapponesi non si sforzano solitamente di ‘farsi capire’ dagli stranieri, preferendo esser presi per ciò che sono: un atteggiamento che personalmente condivido, ma che li porta anche a restare esitanti sull’atteggiamento da tenere quando a fare delle domande, spesso non codificate dall’etichetta aziendale nipponica né filtrate dalla sensibilità di un giornalista indigeno, è un redattore di una rivista americana o europea, spesso ‘non previsto’ nella ripartizione delle informazioni a beneficio dell’opinione pubblica interna. Può quindi capitare di scoprire che, mentre uno sviluppatore si lascia strappare risposte telegrafiche in un’intervista per IGN (solo per fare un nome), altri rilasciano lunghi dietro le quinte per pubblicazioni esclusive rigorosamente giapponesi. Questione di schedule, di pianificazione del materiale divulgativo da diffondere, non necessariamente di antipatia: per questo è meglio non prendersela troppo per la disparità di trattamento e cercare invece di accettare delle differenze di pensiero che contribuiscono a rendere il mondo un posto più vario e interessante.

Tutto questo non significa che talvolta la proverbiale riservatezza giapponese possa venir meno, specie nel caso degli sviluppatori: spesso ciò accade, comunque, soprattutto per quelli che per lavoro o inclinazioni personali finiscono col trovarsi a stretto contatto col mondo occidentale dello sviluppo. Il caso di Tomonobu Itagaki e delle sue pittoresche esternazioni sarebbe fin troppo ovvio, ma di recente altri si sono distinti per affermazioni d’inusitata pesantezza in un ambiente in cui si cerca altrimenti di veicolare il proprio dissenso più attraverso l’allusione e il non detto (o il detto con estrema cortesia), e non è forse un caso che si tratti di componenti o ex componenti di studi Capcom, una delle case di sviluppo più internazionali e allo stesso tempo più orgogliosamente nipponiche del panorama passato e attuale e forse non a caso locata a Osaka, nel Kansai, dei cui abitanti si dice siano decisamente più estroversi del giapponese medio. Shinji Mikami, ad esempio, ha di recente espresso pubblicamente la propria intenzione di non giocare Resident Evil 5 perché ‘non si tratterà sicuramente del gioco che lui avrebbe progettato’. Keiji Inafune, dal canto suo, ha dimostrato un forte astio (personale?) nei confronti dei giochi Clover, i cui ex membri hanno formato PlatinumGames, escludendo a priori la possibilità che dai loro giochi del periodo Capcom possano essere tratti dei seguiti. Ecco le sue testuali parole da un’intervista sul sito 1UP: “Attualmente non abbiamo in progetto seguiti per nessuno di quei franchise. Non posso dirlo per certo, ma non è molto probabile né attraente. Se non avessimo altre proprietà di cui realizzare dei seguiti potremmo appellarci a quelle per disperazione, ma non è questo il caso. Abbiamo moltissimi titoli da creare e altri sequel in attesa: non è quindi nostro interesse al momento”. È difficile relazionare simili parole all’ottica in cui siamo abituati a considerare i produttori giapponesi e forse sarebbe addirittura impossibile secondo l’idea che un non giapponese non potrà mai capire del tutto il modo di pensare indigeno, ma forse potrei azzardare un’ipotesi nata dalla mia maliziosa mente di gaijin [straniero]: che Inafune sia rimasto molto più bruciato dall’abbandono dei membri di Clover di quanto non voglia dare a vedere?

[da Game Pro 020]

P.S. L'osservazione sui seguiti di giochi Clover partorita da Inafune è stata prontamente smentita nei mesi scorsi, come inevitabilmente accade specie nel caso di Capcom, dall'annuncio di Okamiden su DS.

Ovvero, la grande saga di un game designer che ha (creato e) nobilitato due generi grazie al suo capolavoro, i dieci capitoli di Ultima. Un bel lavorone di carattere storico-culturale che scrissi del tempo fa e che non fu mai pubblicato, ma che arriva oggi in forma rivista e corretta su Wings of Magic.it. Mi divertii molto a cercare tutta la documentazione e i retroscena sui vari episodi, così come a metterli assieme costellandoli di quote, didascalie, note di colore e indicazioni su dove reperire documenti e informazioni che possano allargare la conoscenza di questa mitica epopea, inclusa la sua importantissima deriva online. Dedicato al mio ammore FuegoDeSueño, appassionato numero uno di Ultima e Richard Garriott che mi ha fatto da consulente per la stesura dello speciale.

Letta allora: All'età di 11 anni entrai nel mondo delle riviste videoludiche leggendola da una conoscente che l'aveva comprata e poi acquistandola a mia volta. Numero di ottobre 1993, copertina a sfondo bianco con collage e mostrone in stile Godzilla ad illustrare SimCity 2000, esaminato in 6 pagine di mega anteprima. Rimasi scioccata dall'uso della parola "tette" e dalle battute sulle corna del minotauro a base di infedeltà coniugali assortite in un box dedicato a un ormai dimenticato gioco strategico/gestionale ad ambientazione fantasy, così come dagli articoli infarciti di fatti propri dei redattori e di intraducibile humour britannico. Mi permise di conoscere di seconda mano una marea di giochi che mai ho provato causa PC scarso, formando la mia cultura videoludica ed editoriale. Ricordo d'aver cambiato a mano i voti di alcuni giochi sbianchettandoli o incollandovi sopra pezzi di carta con la cifra che mi sembrava più giusta (senza aver provato i giochi in questione, ma più per rigurgito di fanboysmo nei confronti di Wolfenstein 3-D quando ad esempio Doom prese 96/100): alternativa nonviolenta, in pratica, alle lettere vomitanti odio e fiamme infernali che allora ma anche oggi riempivano e riempiono le rubriche della posta di ogni rivista degna di essere chiamata tale.
Letta oggi: Buona giusto per il valore affettivo ed evocativo delle sue pagine, ma per il resto... boia, che traduzioni demme'. O_o

Sotto forma di intervista a Noah Falstein (vedi post sotto), è finalmente stata pubblicata su Wings of Magic.it la prima parte del mega-making of di questo vero e proprio caposaldo degli adventure (e contate che mi è appena venuta voglia di rigiocarci nonostante ormai lo conosca fino alla nausea): Indiana Jones and the Fate of Atlantis. Era lo speciale che sarebbe apparso su Game Pro 028, ma si tratta di una delle eredità raccolte da WOM.

E ora lo speciale giunge a compimento con la seconda parte. Enjoy!